十九世紀的「影像生成」？——繪畫與攝影，從對立到共生的 200 年小史

現代人的生活是如此依賴著相機！無論是朋友聚餐、家庭旅遊、享用美食，我們總覺得可以透過攝影記錄下生活瑣碎或人生大事——攝影幾乎已成為當今人們的主要體驗手段。儘管攝影發明迄今不到 200 年的時間，卻大幅影響了我們的觀看視角。

在人手一機（甚至是手機中內建的相機）的時代，我們或許很難想像，在攝影技術發明前，人們是如何記錄一道道美麗的風景，與生命中的精心時刻——事實上，攝影技術的發明，確實也為世界掀起了一陣波瀾。
 

從暗箱到攝影術：輔助工具回過頭取代畫家的擔憂

在攝影技術到來前，上流階級的人們習慣委託藝術家記錄重要的時刻；如何將景物更精準逼真地呈現於畫布上，是藝術家自文藝復興時期就不停思考的問題。除了「透視法」讓藝術家可以更精確將三維景物呈現於二維的平面上，「暗箱」（Camera Obscura）也是有力工具之一。
  暗箱被認為是相機的前身，其原理是光線通過鏡頭進入不透光的箱子或空間，反射在磨砂玻璃上成像；把透明的紙張放在玻璃上，即可勾勒出影像的輪廓。暗箱最初由天文學家和建築師運用，也很快成為藝術家記錄景物細節與透視的工具。暗箱的運用似乎是畫家們的心照不宣——例如荷蘭黃金時代最著名的畫家之一維梅爾（Johannes Vermeer, 1632-1675），後人研究推測，其獨特的光影技法除了個人造詣外，暗箱也起了頗大的功勞。

可惜的是，暗箱僅能反射景物，卻無法將影像固定於材料上（定影）。至十九世紀初，英法等國的攝影先驅利用暗箱，爭先恐後地進行一系列的科學嘗試；直到 1826 年，尼埃普斯（Joseph Nicéphore Niépce, 1765-1833）利用「日光蝕刻法」拍攝了世界上第一張照片《在勒格拉的窗外景色》（View from the Window at Le Gras）。1839 年達蓋爾的銀版攝影法問世，為世界提供全新的觀看與解釋方式。
 

機械複製時代的到來：理解、運用到再創新

攝影技術的出現，首先影響的是製作肖像畫、歷史事件等紀念用作品的藝術家。善於表現歷史主題的藝術家保羅．德拉羅什（Paul Delaroche, 1797-1856）曾經在官方報告中寫道：「達蓋爾的工藝（攝影術）完全滿足了藝術的所有要求，將藝術的某些基本原理達到如此完美的程度，以至於即使對於最有成就的畫家來說，它也必須成為觀察和研究的主題」[1]。

德拉羅什明確地指出攝影術的衝擊與對繪畫的影響，也挑明了藝術家需直面這項新誕生的技術。當攝影成為能清晰捕捉景物的方式，藝術家們就需要嘗試了解它、並從中借鏡，或另尋其他媒材與表現形式以突破創新。為了承受攝影術為藝術圈所帶來的變化，藝術家們也被迫將作品推向新高度——印象派就是其中一例。

攝影啟發了印象派利用嶄新的構圖、光色，解決具體視覺上的問題。在傳統繪畫的視覺習慣中，畫面構圖講求整體性，而這種完整性還體現了「永恆」的意味[2]，因此作品中很少出現人物身體被裁切於畫布之外、或是視覺比重左右不平衡的問題；然而攝影的概念卻相反——攝影捕捉的是轉瞬即逝的表情與動態、還有光影變化的短暫效果。為了捕捉稍縱即逝的畫面，攝影者通常以「抓拍」將想要傳遞的訊息直覺地置入影像中。設備的限制、快門的速度、拍攝角度與場景的侷限，難免導致構圖不如傳統繪畫般完整；構圖的不平衡、移動的失焦感、被裁斷的事物主體，這些偶然產生的抓拍效果，運用在畫家深思熟慮後的繪畫之中。在竇加（Edgar Degas, 1834-1917）筆下一幅幅描繪芭雷舞者的作品，有如攝影鏡頭般帶領大家一窺他們的生活樣態。
  如羅丹（Auguste Rodin, 1840-1917）、畢卡索（Pablo Picasso, 1881-1932）等藝術家，也都透過了攝影記錄下創作歷程，甚至藉由保存各種影像獲取靈感，在需要時利用：
 

⋯⋯我正在工作，明天我會寄給您這裡和我的畫作的照片。這個地方非常美麗，我非常喜歡它，一路上的風景和整個精神都像是來自西部大開發地區。—畢卡索，1909 年 5 月於奧爾塔德桑特霍安[3]

1909 年，畢卡索造訪西班牙的奧爾塔德桑特霍安（Horta de San Juan），留下了許多照片；後人認為這些照片輔助了他在那裡一系列的創作，也將這批作品視為立體派最初的嘗試。根據畢卡索寫給友人葛楚．史坦（Gertrude Stein, 1874-1946）的信件，我們相信他在創作之前與之間，是有意識地拍攝風景，並且利用相片輔助繪畫的。看著這些作品和照片，你能想像畢卡索是看著這樣的景色創作的嗎？
 

傳統繪畫與攝影技術激盪出的火花

隨著攝影持續發展與更廣泛的應用，藝術家、藝評家們仍激烈辯論著攝影和藝術之間的關係；但我們可以察覺到的現象，是攝影圖像和繪畫之間的意涵越來越難辨別，相互作用關係也越來越強烈。攝影和繪畫都是獲取圖像的手段，因此當人們以看待繪畫的方式看待攝影時，攝影就會受到繪畫影響；用看待攝影的方式去看待繪畫時，繪畫的呈現也會受到攝影思維所影響。

正如前述藝術家將攝影的啟發反映在作品中，也有攝影師從繪畫中汲取養分、內化省思，並用一幀幀相片提出嶄新的觀看方式。畫意攝影（Pictorialism）模糊了繪畫與攝影的邊際，運用技術潤飾畫面，並強調繪畫的「理想美」；「純粹攝影」（Straight photography）則盡可能客觀，不在暗房或以數位手段後製。攝影之所以最後能躋身「藝術」之列，乃是經過一連串漫長的反思與自我辯證的結果。

擁有藝術史碩士學位的加拿大攝影師傑夫．沃爾（Jeff Wall, 1946-），在攝影創作中多層引用了藝術史中的著名畫作。他利用構圖、光線、影像內容、人物姿態等場面調度，將傳統繪畫的審美內涵融入攝影作品，重新演繹並展開不同的敘事方式。在他的燈箱（攝影）作品《突然的一陣風（繼葛飾北齋之後）》中，利用 4 名演員在當代加拿大，再現了 19 世紀日本浮世繪畫家葛飾北斎的名場景。為期 5 個月的創作時間裡，他拍攝了近 100 張照片，以蒙太奇的手法構築畫面，給人一種捕捉真實瞬間的錯覺。
  有關繪畫之於攝影的關係，沃爾曾在一次訪談提及：
 

攝影繼承了繪畫製作的思考方式——在攝影之前，繪畫是以素描與著色的方式製作，但現在出現了攝影，繪畫仍然在不斷製作。這兩個時代一直是聯繫在一起的；也就是說，攝影繼續著攝影發明以前，繪畫所做的事情。[4]

攝影的出現，對傳統藝術掀起了波瀾，兩者的創作思維與技術的交會，卻激盪出迷人的火花，打造了如今更多樣的觀看形式。直到現在，我們已很難從藝術家的腦袋中，將繪畫與攝影的交互影響剝離出來。每個時代都有因應而生的新技術——當時攝影之於繪畫的衝擊，或許與當今人工智慧之於藝術有幾分雷同，都將影響一個時代的藝術風格、創作型態與觀賞思維。科技與藝術之間的互相追逐，也勢必成為每個世代藝術家們所需要面對的課題。 [1]Jill Markwood, “Photography’s Influence on Painting”, Agora vol. 19 (2010): 8.
[2]汪賢俊、周永豐著，《攝影如何影響繪畫》（武漢：武漢大學出版社，2021），頁 66。
[3]Paul Hayes Tucker, “Picasso, Photography, and the Development of Cubism”, The Art Bulletin Vol. 64, No. 2 (1982): 291.
[4]林照鈞，《傑夫．沃爾（Jeff Wall）攝影作品中的「繪畫性」之形式》（國立臺灣藝術大學造形藝術研究所碩士學位論文，2009），頁23。